Recientemente se ha producido un importante descubrimiento arqueológico, de casi 3.000 años de edad: una tumba de la dinastía Zhou fue hallada en Luoyang, provincia de Henan, China. Estos restos que la tierra  ha guardado cuidadosamente, se remontan al año 770 a.C.
El hábitat ha dado lugar a una significativa diversificación en cuanto a la riqueza, integridad y localización de los restos encontrados, en función de cada momento de la historia.  La excavación desenterró completos del pozo principal, cuatro carros de caballo y otros objetos físicos descubiertos en la tumba. Hay que partir de la base de que este tipo de patrimonio cultural se caracteriza por su fragilidad e invisibilidad.  Mientras que otras tumbas en la región han sido despojadas de su contenido, la tumba Luoyang incluye cerámicas, armas de cobre, objetos de jade y otras riquezas  porque no ha sufrido los estragos de los ladrones de tumbas.

El pozo principal consiste en el cortejo fúnebre de quien podría haber sido un oficial, dado que contiene cinco carros y doce caballos. Los arqueólogos manifiestan que los animales no fueron sepultados vivos, fueron sacrificados antes del entierro, como era común en ese período. La tumba descubierta es un pozo vertical de tierra que debido a la naturaleza del lugar y al largo tiempo transcurrido, del ataúd de madera tradicional que contenía y del cuerpo del oficial, solo restan sus cenizas. Los hoyos de la tumba tienen objetos de bronce y cerámica de los principios de la dinastía Zhou del Oeste, en buen estado de conservación.

En China, en la época en la que se produjo este entierro, el sistema nacional de escritura estaba siendo desarrollado. Se trata del período en el que surgen varias filosofías y religiones que dominarán China posteriormente,  como es el caso del Confusionismo y el Taoísmo. Y gracias a este nuevo hallazgo, se presenta una gran  riqueza histórica para los historiadores tienen ahora una mayor comprensión de los ritos funerarios y costumbres de la dinastía Zhou, de gran valor para la cultura china y su divulgación enriquece la historia de la humanidad. Para quienes trabajan con la historia, descubrir esta clase de tesoros es como para nosotros el viajar a tomar cursos ingles extranjero o hacer de forma intensiva varios cursos de ingles Vancouver. Es recibir claves importantes para comprender otro lenguaje, para descifrar la historia que nos habla siempre, pero muchas veces necesitamos detenernos a aprender su idioma por medio de los estudios e investigaciones de las costumbres de tiempos tan antiguos, a través de los yacimientos arqueológicos.

En este artículo os enteraréis de cuando y donde proliferó este estilo artístico, caracterizado por la ostentación en sus magníficos edificios y un importante cambio en la forma de representar el mundo y quienes fueron sus máximos exponentes.

El Barroco fue una corriente cultural que abarcó todas las manifestaciones artísticas desde los inicios del 1600, extendiéndose a lo largo de aproximadamente 150 años.

Imagen kalidoskopika

El Barroco

Su nombre fue dado tiempo después, por críticos del arte, quienes tomaron la traducción francesa de la palabra de proveniencia portuguesa, que significa joya falsa, o perla en forma de r y que posteriormente se utilizó para describir aquellos objetos de exagerada ostentación, o de mal gusto.

Este período de revolución artística se manifestó en los campos de la escultura, arquitectura, literatura, arte y música en la mayoría de los países europeos y americanos (no olvidemos que América se encontraba recientemente colonizada por los españoles, portugueses e ingleses).

Los motivos del surgimiento de esta nueva manifestación se dieron por varios factores, especialmente relacionados con el mayor exponente de la iglesia católica: el Vaticano. Éste se encontraba bajo duras críticas  por parte de diversos sectores, que cuestionaban sus actos de corrupción, la reforma protestante estaba haciéndose sentir, cuestionando a la iglesia católica con la existencia de la virginidad de María y la autoridad del Papa, factores que debilitaban profundamente el poder del clero.

Imagen carulmare

Por otro lado, España, Portugal e Inglaterra se encontraban echando raíces en los nuevos países americanos, ganando tierras y extendiéndose hacia el nuevo mundo, dejando a Italia bajo las sombras de la corrupción y el olvido. Esto generó en el Vaticano una gran reivindicación de la cual surgieron nuevas pautas a la hora de realizar una obra artística, con motivo de generar una suerte de marketing a la iglesia, recordando directa o indirectamente, cuáles eran las bases de la casa de Dios, mediante un control ideológico manifestado por el arte.

Fue así como surgió el refuerzo de la imagen de María y el misterio de la Trinidad como protagonistas de numerosas obras artísticas. Las temáticas de los lienzos ya no fueron sobre alegorías sobre las antiguas mitologías, la ostentación de los santos y paisajes celestiales inalcanzables. Los santos ahora vestían harapos andrajosos, los mártires mostraban expresiones de dolor bajo un acertado dramatismo que emocionaban al espectador, y la imagen de la Sagrada Familia, y en especial, la de María, eran delicadamente glorificadas.

Paralelamente, también nace el arte temático de naturalezas muertas, como bodegones, paisajes, e incluso costumbristas (con solo ver la imagen de Vieja friendo huevos, de Velázquez podremos darnos una idea de lo que esto significaba). Una nueva pauta que se diferenció del renacimiento, fue que ya los rostros de los bellos modelos desaparecieron, dando lugar a expresiones naturales, resultándonos hoy en día hasta un poco chocantes.

Grandes Artistas del Barroco

Este período artístico ha sido testigo de grandes genios del arte. En España, dentro del Barroco se encuentra el famoso Siglo de Oro. Allí se destacan entre los pintores Diego de Velázquez, y Francisco de Zurbarán. En la literatura, se destacan verdaderos genios como Miguel de Cervantes, Luis de Góngora, Francisco de Quevedo, Lope de Vega, Turso de Molina y Calderón de la Barca.

La arquitectura tuvo como su mayor exponente a Gian Lorenzo Bernini, creador de la forma oval de la plaza de San Pedro, quien además fue un exquisito escultor, autor de la magnífica Fuente del Tritone y de la conmovedora obra “El éxtasis de Santa Teresa”. En la pintura Rembrandt, Rubens, Caravaggio, Van Dyck y el ya mencionado Velázquez.

Para conocer más sobre el arte Barroco os invitamos a leer:

En cuanto a los puntos técnicos, surge la aparición del claroscuro, un recurso que resaltaba el detalle que tomaría protagonismo en el cuadro mediante el juego de luces y sombras. Los principales embajadores del arte barroco fueron personajes como Caravaggio, Veermer,Rembrandt, Velázquez, Pacheco Rubens y Murillo, entre muchísimos otros que se manifestaron durante este período.

Imagen Patrick Denker

En cuanto a la escultura, se puede decir que siguió las bases del Renacimiento, siguiendo una línea de carácter naturalista, pero a diferencia de éste, la escultura barroca trató de quitarle idealismo a la imagen, convirtiéndola pura y exclusivamente en realidad. El escultor mas renombrado de esta época fue el napolitano  Gian Lorenzo Bernini, creador de la Fuente de los cuatro ríos (ubicada en Piazza Navona,Roma) y colaborador de la famosa escultura Rapto de Proserpina, obras compuestas por cuerpos completamente liberados, que ya no se encuentran en un estado rígido y de pose, sino que muestran un dinamismo intenso, resaltando el movimiento y la acción otorgando mas veracidad y naturaleza a la imagen.

En materia musical se destacaron dos figuras de gran importancia histórica: el maestro alemán Johan Sebastian Bach y el venecianoAntonio Lucio Vivaldi, conocido como il prete rosso (el cura rojo) dado a que el músico era sacerdote y pelirrojo.

En cuanto a la literatura, surgió la sátira, el culteranismo, el clasicismo y el conceptismo, hablando principalmente sobre la vanidad, la vida humana y la crítica. Sus principales representantes fueron Don Luis de Góngora y Francisco de Quevedo (autor del famoso soneto satíricoA una naríz, en la cual el autor hace referencia a su deforme nariz de una forma ridícula y divertida).

Imagen zak mc

Finalmente, en cuanto a la arquitectura, se vio nacer un estilo completamente nuevo en cuanto a ornamentación, en el cual los detalles curvos, las molduras, columnas, dorados y repetidas formas son protagonistas de las edificaciones. La aparición de elementos nuevos como la columna salomónica (columna enroscada, la cual se puede ver por ejemplo en el interior de la Basílica de San Pedro) y el estípite. Se genera una importante independencia entre el interior y el exterior, acentuando la luz como elemento principal a la hora de diseñar, y los ostentosos detalles por lo general eran de baja calidad, simulando riqueza y pomposidad, jugando un poco con la falsedad (esto se dio en la mayoría de los casos, lo que no quita que se hayan utilizado elementos de alta calidad, como era el caso de las alfombras persas, cerámicas, vidrios de carrá, etc). En líneas generales la arquitectura se caracterizó por su orden colosal, en donde su elemento arquitectónico principal y mas utilizado era lacúpula. Sus principales precursores fueron Bernini, Borromini y P.Pozzo.

Se puede decir que el Barroco concluyó en 1750, pero esto es una generalización, dado que fue variando según los países y la materia, perdurando unas artes mas que otras, para luego ser reemplazadas completamente por el neoclasicismo.

Vía | Introducción al arte Barroco

El Machu Picchu declarada patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1983 ahora en Internet gracias a la recreación virtual presentada por la Universidad San Martín de Porres del Perú.

Promoción del patrimonio artístico y cultural del Perú

• Machu Picchu es el nombre del antigua ciudadela   andino construido en piedra a mediados del siglo XV, en un promontorio de roca que une las  montañas de Machu Picchu y Huayna Picchu.

• Este gran proyecto  ha recreado con todo lujo de detalles las principales zonas de Macchu Picchu en el mundo virtual Second Life.  El equipo de profesionales de la Universidad de San Martín de Porres usaron fotografías para mostrar la máxima cantidad de detalles, desde animales como las llamas a la vegetación están representadas en esta recreación virtual.

• Los personajes virtuales podrán visitar alrededor del 60% del espacio de la ciudadela, sobre los 63.536 metros cuadrados. En paneles informativos e incluso un centro de Información turística ofrecerán datos sobre la arquitectura y la historia del lugar.

• El espacio virtual cuenta con su propio´museo donde se exponen piezas arqueológicas, algunas de las cuales serán devueltas en próximos meses por la Universidad de Yale (EEUU), gracias a un reciente acuerdo alcanzado con el gobierno del Perú.

Fuente|://www.efe.com/

Fotos|1, 2

En Italia existe una antiquísima iglesia donde uno puede encontrarse con unas imágenes llenas de colores y personajes pétreos. Nos referimos a los mosaicos de la Iglesia de San Vital, en Rávena, que ilustran los majestuosos rostros del emperador bizantino Justiniano, la emperatriz Teodora, y sus correspondientes séquitos.

¿Quién fue esta pareja de emperadores que observan seriamente al visitante que se interna en San Vital? ¿Por qué están retratados en los muros de esa iglesia, lejos del lugar en que nacieron?

Porque si bien aparecen representados majestuosamente, Justiniano y Teodora tuvieron orígenes humildes. Flavius Petrus Sabbatius Iustinianus, como se llamaba en realidad Justiniano, había nacido hacia el año 482 d.C. en Tauresium, Tracia (actual Serbia), y era un ilirio de cultura latina.

Su formación intelectual fue sobre todo jurídica, fue un administrador atento y un incansable trabajador. “El emperador que no duerme nunca”, lo llamaron sus contemporáneos. Un alto concepto del deber y también de sus derechos guió siempre su conducta. “¿Qué hay más grande y más santo que la majestad imperial?”, hizo escribir al frente del código justiniano.

El emperador Justiniano, conservador y vinculado al pasado glorioso del imperio romano, se consideró encargado de restaurar el poder como el elegido de Dios, el jefe del pueblo elegido, a quien correspondía el cuidado de restablecer la unidad de la Iglesia.

Sin embargo, el hombre no carecía de debilidades, tenía gran valor para concebir vastas empresas, pero era precavido y muy orgulloso de su autoridad, lo que lo convirtió en un emperador de vanidad increíble: dio su nombre a 27 ciudades, a ciertos cuerpos de funcionarios, y a una clase de estudiantes.

A Justiniano le preocuparon siempre las conspiraciones, un problema muy recurrente en la historia de Bizancio. Según su cronista bizantino, “tenía los oídos abiertos a la calumnia, y toleraba mal el éxito de sus subordinados”. Belisario y Juan de Capadocia experimentaron peor que nadie esta faceta de su comportamiento.

Su esposa, Teodora, la emperatriz de Bizancio, ejerció una gran influencia sobre este espíritu vacilante, como lo indica el importante lugar que ocupa su imagen en la iglesia de San Vital, realizada por orden del mismo Justiniano.

En su juventud, el destino de Teodora no dejaba presagiar nada. Su vida temprana estaba rodeada de misterio. Las tradiciones más favorables cuentan que había llegado de Paflagonia a Constantinopla como tejedora de lana.

Sin embargo, Procopio, en su Historia secreta, afirma que era hija de un domador de animales salvajes, y que Teodora había sido actriz y prostituta, y, antes de vestir de púrpura imperial, una larga carrera la había arrastrado por las populosas ciudades de Oriente.

A decir verdad, parece difícil refutar esas aseveraciones: Teodora –esto al menos es seguro- tuvo hijos antes del matrimonio, y sin duda fue actriz (una profesión desdeñable en aquél entonces), porque Justiniano hubo de promulgar una ley que autorizase a las actrices arrepentidas a tomar esposo legítimo, lo cual hasta entonces estaba prohibido.

Más allá de su pasado, como emperatriz Teodora demostró una gran dignidad, sin renegar nunca de sus orígenes. Durante todo su reinado protegió a las mujeres, y ayudó a centenares de actrices y prostitutas a salir de su situación.

Teodora siempre conservó su enemistad con la aristocracia, llegando hasta obligar a los senadores a prosternarse ante ella. Pero al mismo tiempo supo demostrar un gran valor, no vaciló en intervenir en la vida política, en combatir el gran proyecto occidental de Justiniano, y en proteger a los monofisitas que perseguía la ley imperial. Hasta su muerte en 548, presidió los destinos del imperio al lado de Justiniano, como en las pinturas de Rávena.

Fuentes: Pietri, L.: La Edad Media (siglos V al XV), El mundo y su Historia, Argos / Cameron, A.: El Mediterráneo en la Antigüedad Tardía (395-600) /Imágenes: Wikipedia

Cuando el papa Julio II llamó a Roma, en 1505, a Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), este ya era famoso.

El año anterior, en Florencia, había erigido frente al palacio de la Señoría la gigantesca estatua de David, esculpida en un solo bloque de mármol, un verdadero atleta antiguo, cuyo heroísmo aparecía vagamente teñido de melancolía.

Ni siquiera en Roma era desconocido Miguel Ángel. Anteriormente el escultor había dejado testimonio de su presencia en una primera obra maestra, una Pieta (La Piedad) encargada por un cardenal francés. Cuando trató este tema, característico de la escultura medieval, Miguel Ángel supo aunar maravillosamente una patética ternura a la belleza plástica del cuerpo desnudo, abandonado de Cristo, yaciendo entre los pliegues del manto de la Virgen.

Estas primeras obras ponían de manifiesto hasta qué punto supo Miguel Ángel asimilar las lecciones que tomó en Florencia. Había sido, según se decía, discípulo de Ghirlandaio; pero su sentido de las formas robustas y equilibradas lo tomó estudiando los frescos de Masaccio y las esculturas de Donatello.

Protegido por Lorenzo de Medicis, Miguel Ángel pudo llegar hasta las más ricas colecciones de obras de arte de la antigüedad, y así impregnarse del ideal clásico. Pero también leyó la Divina Comedia y frecuentó el círculo platónico de Pico de la Mirandola y de Marsilio Ficino.

Algunos años más tarde, los sermones de Savonarola hicieron que se desarrollara aún más una inquietud espiritual que lo impulsó en lo sucesivo a preocuparse más por el destino humano que en buscar, como Leonardo da Vinci, nuevas técnicas y fundamentos científicos para su arte.

Miguel Ángel intentó hacer en un primer proyecto del mausoleo de Julio II, una poderosa demostración de la gloria, no sólo del pontífice, sino de toda la fe cristiana. Sobre un arco monumental, adornado con figuras alegóricas, levantaría un cuerpo con las estatuas de los profetas y los patriarcas del Antiguo Testamento.

Sin embargo, Julio II era autoritario y caprichoso. De repente cambió de idea y le pidió a su escultor que pintara el techo de la Capilla Sixtina. La tarea era terrible: la superficie, totalmente lisa y sin líneas arquitectónicas, no ocupa menos de 40 x 13 metros. Miguel Ángel prácticamente carecía de experiencia en la técnica del fresco.

Por eso, temiendo el fracaso que llenaría de alegría a sus enemigos y competidores, escapó de Roma. Sin embargo, el papa lo volvió a llamar y lo obligó a empezar el trabajo. Entonces, Miguel Ángel se encerró en la capilla, despidió a todos los colaboradores, y solo empezó a pintar, borrar y volver a empezar.

Finalmente, el Día de Todos los Santos de 1512, Miguel Ángel presentó su obra acabada. El pintor construyó su obra como una poderosa arquitectura, en la cual cada elemento tiene su propio significado. En la base, doce profetas y sibilas parecen sostener el conjunto, representando todas las actitudes del espíritu. En la parte superior, en la cual aparecen unos jóvenes que representan los estados del alma, se destacan 9 episodios del Génesis, entre ellos la famosa Creación del hombre.

Tanto en la Capilla Sixtina como la mayoría de sus obras, Miguel Ángel combina una multitud de motivos del estilo típico del Quattrocento (e incluso de la época anterior), con elementos inspirados de la antigüedad. Es la síntesis de dos siglos de arte, de la belleza plástica griega y de la ordenación triunfal de Roma.

Fuentes: Chastel, A.: El Arte Italiano (1460-1500), Ediciones AKAL, 1988 / Venard, M.: Los Comienzos del Mundo Moderno, siglos XVI y XVII, El Mundo y su Historia, Argos.

Maravilloso arte el del cine, capaz de conmover a sus espectadores y de dejar grabados en su memoria, escenas, melodías y frases inolvidables. Por eso, hoy para hacer un pequeño homenaje a la Historia del Cine les traemos una selección de algunas de las frases de pelìcula más destacadas.. Seguramente vosotros tendréis una preferida, así que son bienvenidos a compartirla también!

Comenzamos por una película emblemática si las hay.. Casablanca. Con más de 60 años de historia, Casablanca ha dejado muchas frases célebres, tan conocidas que hasta quienes no vieron el film la recuerdan: “Siempre nos quedará París”, “Tócala otra vez Sam”, y “Louis, creo que este es el principio de una gran amistad“, “Bésame, bésame como si fuese la última vez”.

Otra película mítica y verdaderamente entrañable es “Lo que el viento se llevó” (1939). Dramas pasionales y la dureza de la guerra, coronados por frases como “A dios pongo por testigo que nunca volveré a pasar hambre” o su línea  final, cuando Scarlett enfrenta la adversidad aclamando “Después de todo, mañana será otro día”

Acercándonos más en el tiempo, podemos pensar en unas cuantas películas históricas con frases que realmente han sabido transmitir a los espectadores el sentir de sus protagonistas. En “Corazón Valiente”, se relata la historia de William Wallace, campesino y revolucionario escocés de la Edad Media, diciendo “pueden quitarnos la vida, pero nunca podrán quitarnos la libertad”. En “Gladiador”, por su parte, el cruel destino de los soldados y gladiadores romanos se resume en la frase “La muerte nos sonríe a todos, devolvámosle la sonrisa”.

Tantas otras frases de películas han pasado a la historia que es difícil hacer honor a todas ellas en tan pocas líneas. Pero ningún repaso de frases de cine puede no incluir las siempre inolvidables películas románticas. Algunas de mis favoritas son “Tan sólo soy una chica delante de un chico pidiéndole que la quiera” de la genial comedia romántica “Notting Hill” o “Sin ti las emociones de hoy sólo serían las envolturas muertas de las del ayer” de la deliciosa “Amelie”.

Fuente:

Eslatele.com

Frases de peliculas romanticas en espectadores.net

Imagen:

“Lo que el viento se llevó”, en Google

A mediados de 1750, en pleno reinado de Luis XV, hay una reacción en contra  de los excesos del Rococó, con su abuso de curvas y sinuosidades. El cambio de gusto se orientó a las líneas rectas y a perfiles menos torturados.

Mobiliario Luis XVI

Este cambio coincide con el descubrimiento de las ruinas de Pompeya y Herculano, que mostraron a los artistas aspectos desconocidos del arte grecorromano, y cuyas excelencias fueron promovidas por Madame Pompadour, defensora de la antigüedad.

Luis XVI

Con la llegada de Luis XVI, el gusto por el arte antiguo se depura. Se distingue por la sobriedad y la simplicidad en sus líneas. Se podría decir que el estilo Luis XVI es mas griego que romano, por el triunfo de la delicadeza sobre la ampulosidad.

En los interiores se sigue utilizando la división mural en paneles rectangulares, pero ahora, a diferencia de lo que sucedía con Luis XV,l os ángulos tienen un contorno escueto y franco.

Dos filósofos ejercieron gran influencia en la adopción de este estilo. Diderot y Jean  Jacques Rousseau. Defensor acérrimo de la pureza de costumbres el primero, y apóstol de una vida sencilla y en contacto con la naturaleza el segundo.

Se utilizaron entonces corazones perforados por una flecha (Como los de Cupido), antorchas flameantes,palomas picoteándose, etc.Estos elementos se complementaron con otros pertenecientes a la antigüedad como perlas, guirnaldas, uvas, una mistura entre arcaísmo y naturalismo que constituyen la esencia del estilo Luis XVI.

Imagenes:

Mesa estilo LUIS XVI, en Google

Luis XVI, en Wikipedia

Fuente:

Pequeña Enciclopedia de los Estilos Decorativos, Cuantica Editora S.A. Buenos Aires 1977

Estilo Luis XVI, en Wikipedia

Hay pocas personas de las que se pueda decir “¡Hola señor Música!”: Mozart es una de ellas. Hoy abordaremos la biografía de Mozart, músico del siglo XVIII que ya ejecutaba y componía música a los cuatro años y a los nueve era invitado por reyes y nobles para sorprenderles. Un ser maravilloso y único.

Su nombre real fue Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Nació el 27 de enero de 1756 en la ciudad austríaca de Salzburgo. Con tan sólo cuatro años asombró en las tertulias de su hogar.

Sus padres fueron Leopold Mozart y Anne María Pertl Pertl, quienes apoyaron totalmente al niño prodigio en el desarrollo vocacional. Su precocidad pronto los convirtió en músico itinerante, deslumbrando a la aristocracia y la realeza europea con obras musicales propias, ejecutadas con maestría.

Su retorno a Salzburgo fue triunfal. La ciudad tomó a Mozart como propio y lo contrató para musicalizar las festividades locales. Pero pronto notó los bajos salarios que le asignaban. Para peor, al morir el arzobispo Segismundo de Schrattenbach, su protector, tomó su lugar el conde-príncipe Hyeronimus Colloredo, personaje autoritario y rígido que le hará la vida imposible.

Mozart viajó varias veces por Italia, visitando Roma, Florencia, y otras mecas del arte peninsular. Esto influyó sustancialmente en las sinfonías, oberturas y la ópera Lucio Silla que allí crea. En esta última se revela un acercamiento al romanticismo del movimiento literario Sturm und Drang (en español “tormenta e ímpetu”).

Mozart  tocando el clavicordio y Thomas Linley (de la misma edad) el violín, durante su estancia en Florencia en 1770.

En uno de sus tantos viajes europeos muere su madre mientras le acompañaba (1778). La angustia del duelo debe vivirla en un estado total de incertidumbre frente a su situación económica. Ninguna de las cortes y personalidades que le aclamaban, le ofrecían honorarios dignos de su habilidad, según estimaba el orgulloso compositor.

En esta etapa de su vida, Mozart empeñó algunas de sus cosas para pagar deudas personales. Para colmo de males -y esta será una nota significativa en la biografía de Mozart- Colloredo, su patrono en Salzburgo, lo trataba como a uno más en su corte de sirvientes. Terminó echándolo con una patada en el trasero propinada por uno de sus auxiliares.

Mozart decidió entonces ser un músico vienés, y su rebeldía introduce lo que muchos imitarán después: no depender de un mecenas o patrón. Corría 1781, contaba tan sólo con veinticinco años, y se tenía a sí mismo como único sostén. Una vez en Viena, se alojó en el segundo piso de la familia Weber, que había conocido en viajes anteriores.

Para vivir dictó clases para algunos nobles, y brindó conciertos y óperas que fueron, sin duda, la fuente más significativa de sus recursos. El ambiente familiar le hacía feliz, en especial las hijas de la señora, lo cual derivó en su enamoramiento de Constanza Weber. Es necesario destacar que, en esos años vieneses desarrolló sus obras más importantes.

En efecto, Mozart allí escribió El rapto del Serrallo, obra con parte del texto recitado y no cantado, como la zarzuela en España. También las sinfonías que van desde la número 36, Sinfonía de Linz, hasta la trilogía final, que lleva los números 39, 40 y 41, hechas en el verano de 1788.

En las obras de Mozart ya se ve una intensidad expresiva considerada un anticipo más del espíritu romántico que destacará entre los compositores del siglo siguiente. También escribe Don Juan y La flauta mágica, en cuyas presentaciones se reitera el éxito popular.

Hará frente a su ascendente prestigio Antonio Salieri, enemigo de Mozart, a quien se le atribuye, además, una historia jamás probada de envenenamiento. La rivalidad está probada, algo comprensible entre dos músicos que competían por los favores de la corte imperial.

 Mejor amigo suyo resultó Joseph Haydn, “papá Haydn” para Mozart, cuyos “cuartetos de cuerda rusos” le inspiraron para la creación de una serie de seis que dedica a aquél. Elaboró conciertos para piano, violín, corno, clarinete y otros, dejando sentadas las bases del estilo clásico de composición.

De hecho, en otra marca fundamental de la biografía de Mozart, en Viena escribe catorce de los veintitrés conciertos que dedicó al teclado en toda su vida.

Mientras disfrutaba de este reconocimiento de los vieneses, abordó la Misa de Réquiem, encargada por el conde Franz de Walsegg para exhibirla como propia. Herido por las circunstancias del encargo, el músico imaginó que el asunto del Réquiem es su propio final y que ha sido envenenado.

Con la cabeza apoyada en la pared de su habitación y la partitura manuscrita del Réquiem inconcluso en el lecho, la muerte lo alcanza el 5 de diciembre de 1791. Mozart tenía treinta y cinco años, y nos dejaba más de seiscientas obras…

Más Información:

Biografía de Mozart, en Wikipedia

Biografía de Mozart, en Kalipedia

Imágenes, en Wikipedia

La Cultura Persa o de Persia es la que hoy conoceríamos por cultura iraní. Los primeros signos de esta cultura datan del V milenio, siendo representada por numerosas vasijas de cerámica y demás elementos de decoración funeraria de decoración zoomorfa. Hacia el siglo II aparecen las figuras plásticas: estas, mas sensibles, muestran esfinges femeninas representantes de diversas divinidades. Paralelo a estos objetos, también aparece el uso de metales preciosos, elementos que representaría a la Cultura Persa.

Imagen dynamosquito

Posteriormente, en 558 a.C, el rey Ciro I funda la dinastía persa –aqueménida, y junto a ésta, el arte aqueménida. Este arte acompaña a la imagen del estado: imperial, imponente y lujosa, que proclama la gloria del soberano. Esto se refleja especialmente en la arquitectura, la cual se destaca por poseer fuertes influencias de Egipto. Es así como todas las ciudades reales logran tener su propio palacio, siendo el Palacio de Susa uno de los más imponentes.

En cuanto a la escultura, cabe destacar que también acompaño la imagen del imperio, realzando la imponente arquitectura con animales gloriosos alados, y enormes esculturas que vigilan como centinelas los grandes palacios. La tradición secular del ladrillo crudo esmaltado es tomado de Susa.

Por ultimo cabe destacar la conquista de Persia por parte de los árabes. Esto generó un gran vuelco dentro de la cultura persa. Aparece la incorporación de la cúpula nervada, de las trompas de ángulo y del iwan. Un claro ejemplo de ello es la Masjed-e-Djomeh, también conocida como la Mezquita del Viernes, que fue construida durante el siglo XI y reconstruida un siglo después.

La dominación de los mongoles también aporta a esta rica cultura. Se incorpora el gusto por el revestimiento de la loza y la cerámica. Posteriormente, la cultura persa se extiende por sobre todo India, manifestándose en numerosas construcciones, siendo el mas claro ejemplo el Taj Mahal, una obra que fusiona el arte hindú, mongol y persa de manera exquisita.

Tras las sombrías tinieblas que echó la Edad Media, surge el Renacimiento, un período artístico y cultural que generó grandes cambios en todo Europa y puntualmente manifestado en Italia. Sus personajes son los más renombrados de la historia, abarcando no solo el campo del arte sino también la ciencia, geografía y política.

Imagen Robert Scarth

Por excelencia, el icono que simbolizó el arte en general (tanto la pintura, escultura, muralismo, estudios científicos y tecnológicos entre otros) fue Leonardo Da Vinci, autor de la Mona Lisa y La última Cena, como también el legendario dibujo del Hombre de Vitruvio. Este hombre se caracterizó por su multifacética vida, dado que también exploró los campos de la música, poesía y filosofía, convirtiéndolo en un hombre completo, únicamente comparable con otro de los maestros del renacimiento: Miguel Ángel.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Miguel Angel) fue escultor, arquitecto y pintor y se destacó especialmente por su magnífica y reconocida bóveda de la Capilla Sixtina. Su labor artística se basó en el clero y la familia Médicis, otro de sus mecenas. Fue sumamente admirado por sus contemporáneos, ganándose el apodo de el Divino.

Sandro Botticelli se destacó en la escuela de Florencia, en especial con sus dos obras que lo caracterizan: el nacimiento de Venus y la primavera, siendo estas las obras florentinas más preciadas del renacimiento. Otro autor florentino de gran renombre fue Donatello y sus obras se pueden ver en la capilla del Duomo de Florencia (Santa Maria dei Fiore), entre otros sitios.

Imagen manoellemos

Rafaello Sanzio, o simplemente Rafael plasmó sus mejores obras en el Palacio Vaticano, específicamente dentro de las Estancias de Rafael, donde se encuentra, entre otras, la Escuela de Atenas una de sus obras más preciadas. Por otro lado, Tiziano deslumbró en Venecia con sus retratos mitológicos y temáticas religiosas, atrayendo al clero notablemente y decorando las sombrías iglesias. Por último cabe destacar a Durero, un importante pintor alemán que se destacó por sus pinturas, gravados y bocetos.

Filippo Brunelleschi se destacó en la arquitectura, siendo su obra cúlmine la cúpula de Santa María dei Fiore en Florencia. Leon Battista Alberti fue otra multifacética personalidad, de la cual se destacó principalmente la arquitectura. Fue contemporáneo de Brunelleschi, y sus obras fueron dedicadas al papado y diversas familias burguesas de gran renombre.

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En cuanto a la literatura, se destacaron diversas personalidades de Europa. En Italia, sobresalió Dante Alighieri con su obra maestra la Divina Comedia. Dentro del país también se destacó Francesco Petrarca, quien influyó posteriormente a numerosos literatos. En España, Miguel de Cervantes Saavedra deleitaba a las audiencias con El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha, declarada como una de las mejores obras de la literatura universal.

En Suecia y Alemania se destacaban Tycho Brahe y Johannes Kepler respectivamente, revolucionando la ciencia con nuevas teorías sobre la astronomía.

En el marco político se destacaron los reyes de España Carlos de Austria (Carlos I) y Felipe II de Austria, conocido también como Felipe El Prudente, y el Papa Pío II, uno de los humanistas más notables de su tiempo, que defendió las artes y las letras de manera sorprendente.